«Las podemos llamar como queramos: fotos famosas, fotos icónicas, fotos míticas, pero por encima de todo son… ¡fotos con historia!»
Las imágenes tienen una forma de penetrar y provocar una respuesta emocional inmediata como ninguna otra cosa puede hacerlo. Nos abren una ventana para ver el mundo a través de los ojos del fotógrafo.
La fotografía ha contribuido a reforzar la historia haciéndola más tangible y real. También ha hecho de la cámara una herramienta importante no sólo para documentar la historia, sino también para ayudar a cambiarla, gracias a la mirada crítica de algunos de los fotógrafos más famosos del mundo.
No basta con capturar un momento de la historia. Las fotos más influyentes, poderosas y famosas son las que captan el significado más profundo de ese momento: la energía y la emoción; los triunfos del espíritu humano y las consecuencias de nuestros errores; nuestra impotencia, nuestra gloria, nuestro poder.
Pero con millones de fotografías tomadas cada día, podemos perdernos fácilmente en el vasto mundo de las imágenes…
Por eso la revista TIME decidió crear una lista de las 100 fotografías más influyentes de la historia. Para ello, se asoció con conservadores, historiadores, editores de fotografía y fotógrafos famosos de todo el mundo. El resultado que obtuvieron no es sólo una colección de magníficas fotos históricas, sino también increíbles experiencias humanas. «La mejor fotografía es una forma de dar testimonio, una manera de llevar una visión única al mundo en general».
Sin embargo, nuestra lista de fotos famosas de la historia no son sólo imágenes que aparecen en la revista TIME 100… Hemos añadido otras grandes fotografías que bajo nuestro punto de vista subjetivo han marcado un antes y un después en la historia del mundo.
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UTILIZADAS
Las mejores fotografías de la historia
«Imágenes famosas que marcaron un antes y un después en la historia«
Esta colección de 65 fotografías famosas ha sido cuidadosamente elegida por su importancia en la historia. Cada una de estas imágenes icónicas ha contribuido a dar forma a nuestra historia y a alterar el mundo en el que vivimos. Son algunas de las imágenes más poderosas e influyentes jamás captadas por algunos de los fotógrafos más famosos de la historia.
Y es que, una fotografía icónica es mucho más que la simple instantánea de un momento. Estas fotos muestran una fracción de segundo en la historia de nuestro mundo. Retratan relaciones, situaciones y el paso del tiempo.
Sigue leyendo para conocer las historias que hay detrás de las fotos más famosas e influyentes jamás tomadas.
Advertencia: Algunas de las imágenes que hemos seleccionado son muy gráficas y pueden ser difíciles de ver o incluso herir la sensibilidad de algunos lectores.
The Falling Man, Richard Drew, 2001
Las imágenes más vistas del 11-S son de aviones y torres, no de personas. Falling Man es diferente.
La foto, tomada por Richard Drew en los momentos posteriores a los atentados del 11 de septiembre de 2001, es la clara huida de un hombre de los edificios que se derrumbaban, un símbolo de individualidad contra el telón de fondo de los rascacielos sin rostro.
En un día de tragedia masiva, Falling Man es una de las únicas imágenes ampliamente vistas que muestran a alguien muriendo. La foto se publicó en periódicos de todo Estados Unidos en los días posteriores a los atentados, pero la reacción de los lectores la obligó a pasar a la oscuridad temporalmente.
Puede ser una imagen difícil de procesar, el hombre atravesando perfectamente las icónicas torres mientras se lanza hacia la tierra como una flecha.
La identidad del Falling Man sigue siendo desconocida, pero se cree que era un empleado del restaurante Windows on the World, situado en lo alto de la torre norte. Sin embargo, el verdadero poder de Falling Man no radica tanto en quién era su protagonista como en lo que llegó a ser: un improvisado Soldado Desconocido en una guerra a menudo desconocida e incierta, suspendido para siempre en la historia.
Dali Atomicus, Philippe Halsman, 1948
El trabajo de la vida de Philippe Halsman era capturar la esencia de aquellos a los que fotografiaba. Sabiendo que un retrato estándar del extravagante Salvador Dalí no iba a funcionar, se propuso crear algo extraordinario.
Halsman incluso recurrió a su mujer y a su hija para que le ayudaran a introducir los gatos y el agua en el encuadre. Después de 26 tomas, finalmente captaron esta imagen que tiene ecos de la propia obra de Dalí. Nota: Recuerde que era todo película, por lo que tenía que hacerse en un solo fotograma, ¡no había Photoshop!
Halsman y Dalí tenían un sentido inusual del estilo y la creatividad, algunos incluso dirían que bizarro. Colaboraron en muchos proyectos juntos, como la recreación por parte de Halsman de una pintura de Dalí de una calavera utilizando figuras humanas desnudas.
Halsman contribuyó a dar forma a la fotografía de retrato moderna. Sus imágenes de Dalí, Albert Einstein, Marilyn Monroe y Alfred Hitchcock rompieron el molde y animaron a los fotógrafos a colaborar con sus sujetos.
Bloody Saturday, H.s. Wong, 1937
Los mismos deseos imperialistas que supuraban en Europa en la década de 1930 ya se habían extendido a Asia. Sin embargo, muchos estadounidenses seguían siendo reticentes a meterse en un conflicto en lo que parecía una tierra lejana y ajena. Pero esa opinión empezó a cambiar cuando el ejército japonés del Sol Naciente se dirigió hacia Shanghai en el verano de 1937.
Los combates comenzaron en agosto, y los incesantes bombardeos causaron pánico y muerte en las calles. Pero el resto del mundo no puso cara a las víctimas hasta que vio las consecuencias de un ataque de los bombarderos japoneses el 28 de agosto. Cuando H.S. Wong, un fotógrafo de Hearst Metrotone News apodado Newsreel, llegó a la destruida Estación Sur, recordó una carnicería tan reciente «que mis zapatos estaban empapados de sangre».
En medio de la devastación, Wong vio a un bebé chino llorando cuya madre yacía muerta en las vías cercanas. Dijo que disparó rápidamente el rollo que le quedaba y luego corrió a llevar al bebé a un lugar seguro, pero no antes de que el padre del niño corriera hacia él y lo llevara.
La imagen de Wong del niño herido e indefenso fue enviada a Nueva York y apareció en los noticiarios de Hearst, en los periódicos y en la revista Life, el público más amplio que podía tener una fotografía en ese momento. La imagen fue vista por más de 136 millones de personas y tocó una fibra personal que trascendió la etnia y la geografía.
Para muchos, el dolor del niño representaba la difícil situación de China y la sed de sangre de Japón, y la foto bautizada como Sábado Sangriento se transformó en una de las imágenes noticiosas más poderosas de todos los tiempos. Su difusión revela la potente fuerza de una imagen para influir en la opinión oficial y pública. La foto de Wong llevó a Estados Unidos, Gran Bretaña y Francia a protestar formalmente por el ataque y contribuyó a cambiar el sentimiento occidental a favor de entrar en lo que se convertiría en la segunda gran guerra del mundo.
Lunch atop a Skyscraper, 1932
Es la pausa para el almuerzo más peligrosa y a la vez más juguetona que jamás se haya capturado: 11 hombres comiendo despreocupadamente, charlando y fumando a escondidas como si no estuvieran a 257 metros por encima de Manhattan con nada más que una delgada viga manteniéndolos en alto. Esa comodidad es real; los hombres se encuentran entre los trabajadores de la construcción que ayudaron a construir el Rockefeller Center.
Pero la foto, tomada en el piso 69 del emblemático edificio RCA (ahora el edificio GE), fue montada como parte de una campaña de promoción del enorme complejo de rascacielos. Aunque el fotógrafo y la identidad de la mayoría de los sujetos siguen siendo un misterio -los fotógrafos Charles C. Ebbets, Thomas Kelley y William Leftwich estaban presentes ese día, y no se sabe cuál de ellos la tomó-, no hay ningún ferretero en Nueva York que no vea la foto como una insignia de su audaz tribu.
En ese sentido no están solos. Al hacer caso omiso del peligro y de la Depresión, Almuerzo en un rascacielos llegó a simbolizar la resistencia y la ambición de los estadounidenses en un momento en el que ambas cosas se necesitaban desesperadamente. Desde entonces se ha convertido en un emblema icónico de la ciudad en la que fue tomada, afirmando la creencia romántica de que Nueva York es un lugar que no teme abordar proyectos que acobardarían a ciudades menos descaradas. Y, como todos los símbolos de una ciudad construida a base de bullicio, «Lunch Atop a Skyscraper» ha generado su propia economía.
Es la imagen más reproducida de la agencia fotográfica Corbis. Y buena suerte al pasar por Times Square sin que alguien la venda en una taza, un imán o una camiseta.
The Falling Soldier, Robert Capa, 1936
La imagen de Capa de un miliciano español siendo fusilado fue tomada sin que él mirara por su visor.
Esta imagen, tomada sosteniendo su cámara por encima de su cabeza mientras estaba en las trincheras, llevó la fotografía de guerra a un nivel diferente. Poco después, los periodistas empezaron a integrarse formalmente en las unidades del ejército al darse cuenta de su importancia para captar y documentar los horrores de la guerra.
The Terror Of War, Nick Ut, 1972
A 40 kilometros al noroeste de Saigón, el fotógrafo de guerra Nick Ut, captó una de las imágenes más desgarradoras de la historia de la guerra de Vietnam. La mayoría de las veces no se ven los rostros de los que sufren los daños colaterales de la guerra.
Pero la desgarradora imagen de Phan Thi Kim Phuc, de 9 años, obligó al mundo a verla. Víctima del napalm lanzado por error, fue ayudada posteriormente por Ut y recibió un tratamiento que le salvó la vida.
En el momento de su publicación, en 1972, muchos periódicos tuvieron que flexibilizar sus políticas sobre la desnudez. La imagen sigue siendo controvertida hasta el día de hoy, recientemente fue retirada brevemente de Facebook por las mismas razones.
Nick Ut ganó un premio Pulitzer por esta famosa imagen en 1973.
Raising A Flag Over The Reichstag, Yevgeny Khaldei, 1945
«Esto es lo que estuve esperando durante 1.400 días», dijo el ucraniano Yevgeny Khaldei mientras contemplaba las ruinas de Berlín el 2 de mayo de 1945.
Tras cuatro años de lucha y fotografía por toda Europa del Este, el soldado del Ejército Rojo llegó al corazón de la patria de los nazis armado con su telémetro Leica III y una enorme bandera soviética que su tío, sastre, había confeccionado para él con tres manteles rojos.
Adolf Hitler se había suicidado dos días antes, pero la guerra seguía en marcha mientras Khaldei se dirigía al Reichstag. Allí dijo a tres soldados que se unieran a él, y subieron por unas escaleras rotas al parapeto del edificio del parlamento, empapado de sangre. Mirando a través de su cámara, Khaldei supo que tenía la foto que esperaba: «Estaba eufórico».
En la foto, Khaldei dramatizó la imagen intensificando el humo y oscureciendo el cielo -incluso tachando parte del negativo- para crear una escena romántica que era en parte realidad, en parte artificio y todo patriotismo. Publicada en la revista rusa Ogonek, la imagen se convirtió en un icono propagandístico instantáneo. Y no es de extrañar.
La bandera que sobresalía del corazón del enemigo exaltaba la nobleza del comunismo, proclamaba que los soviéticos eran los nuevos señores y daba a entender que, al bajar el telón de la guerra, el primer ministro José Stalin pronto izaría uno nuevo y frío de hierro sobre la tierra.
Jewish Boy Surrenders In Warsaw, 1943
El joven aterrorizado con las manos levantadas que aparece en el centro de esta imagen era uno de los casi medio millón de judíos que se hacinaban en el gueto de Varsovia, un barrio transformado por los nazis en un recinto amurallado de inanición y muerte.
A partir de julio de 1942, los ocupantes alemanes empezaron a enviar a unos 5.000 habitantes de Varsovia al día a campos de concentración. A medida que se iban conociendo las noticias de los exterminios, los residentes del gueto formaron un grupo de resistencia. «Nos veíamos como una resistencia judía cuyo destino era trágico», escribió su joven líder Mordecai Anielewicz. «Porque nuestra hora había llegado sin ninguna señal de esperanza o rescate».
Esa hora llegó el 19 de abril de 1943, cuando las tropas nazis vinieron a llevarse al resto de los judíos. Los partisanos, escasamente armados, se defendieron, pero finalmente fueron sometidos por los tanques alemanes y los lanzallamas. Cuando la revuelta terminó el 16 de mayo, los 56.000 supervivientes se enfrentaron a la ejecución sumaria o a la deportación a campos de concentración y de trabajo esclavo.
El general de división de las SS Jürgen Stroop se sintió tan orgulloso de su trabajo de limpieza del gueto que creó el Informe Stroop, un álbum de victorias encuadernado en cuero cuyas 75 páginas incluyen una lista de botines jactanciosos, informes de matanzas diarias y docenas de fotos desgarradoras como la del niño que levanta las manos.
Esta colección resultó ser su perdición, ya que además de poner rostro a los que murieron, las imágenes revelan el poder de la fotografía como herramienta documental. En los posteriores juicios por crímenes de guerra de Nuremberg, el volumen se convirtió en una prueba clave contra Stroop y dio lugar a su ahorcamiento cerca del gueto en 1951. El Holocausto produjo decenas de imágenes estremecedoras.
Pero ninguna tuvo el impacto probatorio de la entrega del niño. El niño, cuya identidad nunca se ha confirmado, ha llegado a representar el rostro de los 6 millones de judíos indefensos asesinados por los nazis.
Cotton Mill Girl, Lewis Hine, 1908
El Comité Nacional de Trabajo Infantil, creado en 1904, existía para luchar por los derechos de los niños trabajadores en Estados Unidos. Se dieron cuenta de que la herramienta más poderosa con la que contaban era mostrar el rostro real de estos niños. Creían que ver estas imágenes del trabajo infantil despertaría a los ciudadanos para exigir un cambio.
Cuando Lewis Hine, un fotógrafo de investigación, se encontró con Sadie Pfeifer, una de las niñas más pequeñas que trabajaban. Con tan solo 48 pulgadas, supo que tenía una imagen que cambiaría la opinión de la gente.
Esta fotografía, junto con otras, fue una parte crucial de la campaña que condujo a un cambio en la legislación. El resultado fue una reducción del 50% del número de niños trabajadores en un periodo de 10 años.
V-J Day in Times Square, Alfred Eisenstaedt, 1945
La misión de Alfred Eisenstaedt a través de la fotografía era «encontrar y captar el momento narrativo». En esta fotografía posterior a la Segunda Guerra Mundial en Times Square, lo consiguió.
Su famosa fotografía del soldado y la enfermera dental se ha convertido en una de las imágenes más icónicas del siglo XX, que significa el alegre final de años de guerra.
Lennon & Yoko, Annie Leibovitz, 1980
Fire Escape Collapse, Stanley Forman, 1975
Forman era un conocido fotógrafo que trabajaba para el Boston Herald cuando acudió al lugar de un incendio. Lo que empezó siendo un documento sobre el rescate de una mujer joven y un niño pronto dio un giro cuando la escalera de incendios se derrumbó.
La pareja empezó a caer y él siguió fotografiando mientras caían. Los captó nadando por el aire. Forman sólo bajó su cámara y se giró en el último momento cuando se dio cuenta de que lo que estaba presenciando era una mujer cayendo en picado hacia su muerte.
Esta famosa fotografía le valió a Forman un premio Pulitzer. Pero su interesante legado son las cuestiones éticas que planteó sobre cuándo debe dejar de disparar un fotógrafo y si es apropiado publicar imágenes perturbadoras. También provocó que muchos municipios aplicaran códigos de seguridad más estrictos para las salidas de incendios, así que tú decides.
The Burning Monk, Malcolm Browne, 1963
El monje autoinmolado que aparece es Thich Quang Duc, y su acto era una protesta por la persecución de los budistas por parte del gobierno de Vietnam del Sur dirigido por Ngo Dinh Diem. John F. Kennedy observó que «ninguna imagen de la historia ha generado tanta emoción en todo el mundo como esa». (No es de extrañar que Kennedy se convirtiera en un icono cultural con citas tan empáticas como esa, ¿verdad?) Por su astucia, Malcolm Browne ganó un premio Pulitzer por su fotografía de la protesta del monje en 1963.
The vulture and the little girl, Kevin Carter, 1993
Esta imagen es otra de las ganadoras del Premio Pulitzer. Tan famosa por su impacto social como por las cuestiones éticas que planteó.
En 1993, el fotoperiodista sudafricano Kevin Carter viajó a Sudán para fotografiar la hambruna. Su imagen de una niña derrumbada, con un buitre acechando sobre ella, no sólo causó la indignación del público por lo espantoso del tema. También suscitó muchas críticas hacia el fotógrafo, por fotografiar a la niña, en lugar de ayudarla.
Ese día, y la embestida que vino después, continuó persiguiendo a Carter hasta que se quitó la vida en 1994.
Para que conste, la madre estaba aparentemente al lado de la escena y la niña nunca estuvo en peligro de ser atacada por el pájaro. Obsérvese que también fue rodada con un teleobjetivo más largo que hace que la escena parezca más comprimida, haciendo que el pájaro parezca más cercano al niño que la realidad.
Si quieres saber más sobre esta imagen y otras tomadas por fotoperiodistas en Sudáfrica durante la caída del Apartheid, consulta el documental The Bang Bang Club.
Flower power, Bernie Boston, 1967
D-Day, Robert Capa, 1944
Era la invasión para salvar la civilización, y Robert Capa, de LIFE, estaba allí, el único fotógrafo que vadeó con las 34.250 tropas la playa de Omaha durante el desembarco del Día D.
Sus fotografías, llenas de movimiento desde el centro de ese brutal asalto, ofrecieron al público la visión de un soldado estadounidense sobre los peligros de la guerra. El soldado en este caso era el soldado de primera clase Huston Riley, que después de que los nazis bombardearan su embarcación de desembarco saltó a un agua tan profunda que tuvo que caminar por el fondo hasta que no pudo aguantar más la respiración.
Cuando activó su cinturón salvavidas M-26 de la Marina y salió a la superficie, Riley se convirtió en un objetivo de los cañones y proyectiles de artillería que acribillaban a sus compañeros. Herido varias veces, el soldado de 22 años tardó una media hora en llegar a la orilla de Normandía.
Capa le tomó esta foto en el oleaje y luego, con la ayuda de un sargento, ayudó a Riley, que más tarde recordó haber pensado: «¿Qué demonios hace este tipo aquí? No me lo puedo creer. Aquí hay un camarógrafo en la orilla». Capa pasó una hora y media bajo fuego mientras los hombres a su alrededor morían. Un mensajero transportó entonces sus cuatro rollos de película a las oficinas de LIFE en Londres, y el director general de la revista paró las prensas para incluirlos en la edición del 19 de junio.
Sin embargo, la mayor parte de la película no mostraba ninguna imagen después del procesamiento, y sólo sobrevivieron algunos fotogramas. Las imágenes restantes tienen un aspecto granulado y borroso que les da la sensación de acción frenética, una cualidad que ha llegado a definir nuestro recuerdo colectivo de aquel épico enfrentamiento.
Leap Into Freedom, Peter Leibing, 1961
Tras la Segunda Guerra Mundial, los gobiernos aliados conquistadores dividieron Berlín en cuatro zonas de ocupación.
Sin embargo, cada parte no era igual, y de 1949 a 1961 unos 2,5 millones de alemanes orientales huyeron de la sección soviética en busca de libertad. Para detener el flujo, el líder de Alemania Oriental, Walter Ulbricht, hizo levantar una barrera de alambre de púas y bloques de cemento a principios de agosto de 1961.
Pocos días después, el fotógrafo de Associated Press Peter Leibing recibió el aviso de que podría producirse una deserción. Él y otros camarógrafos se reunieron y observaron cómo una multitud de Berlín Occidental atraía al guardia fronterizo de 19 años Hans Conrad Schumann, gritándole: «¡Venga!». Schumann, que más tarde dijo que no quería «vivir encerrado», corrió de repente hacia la barricada.
Cuando pasó por encima de los cables afilados, dejó caer su rifle y fue arrastrado. La foto de Leibing, enviada por la AP, apareció en las portadas de todo el mundo. Convirtió a Schumann, al parecer el primer soldado de la Alemania Oriental que huyó, en un ejemplo para los que anhelaban ser libres, al mismo tiempo que daba urgencia a la presión de la Alemania Oriental por un Muro de Berlín más permanente.
Schumann estaba tristemente atormentado por el peso de todo ello. Mientras vivía tranquilamente en Occidente, no pudo asumir su involuntaria estatura como símbolo de la libertad, y se suicidó en 1998.
Migrant Mother, Dorothea Lange, 1936
Por encargo de la Administración de Reasentamientos, Dorothea Lange recibió el encargo de capturar la difícil situación de los más afectados por la Gran Depresión en 1936.
Lang encuadró con fuerza a Thompson, de 32 años, y a sus hijos pequeños, atrayendo al espectador hacia el dolor y el agotamiento grabados en su rostro, que parece envejecido más allá de su edad.
A su regreso, la fotografía de Lange, ahora famosa, se convirtió en la imagen más icónica de las 160.000 que se tomaron para documentar esta época desesperada.
El gobierno actuó al ver el sufrimiento y envió casi 10.000 kg de alimentos.
Muhammad Ali VS Sonny Liston, Neil Leifer, 1965
Gran parte de las grandes fotografías consisten en estar en el lugar correcto en el momento adecuado. Eso fue lo que le ocurrió al fotógrafo de sports illustrated Neil Leifer cuando tomó la que quizá sea la mejor foto deportiva del siglo.
«Obviamente, estaba en el lugar correcto, pero lo importante es que no fallé», dijo más tarde. Leifer había ocupado ese lugar en el ring en Lewiston, Maine, el 25 de mayo de 1965, mientras el campeón de boxeo de peso pesado Muhammad Ali, de 23 años, se enfrentaba a Sonny Liston, de 34 años, el hombre al que había arrebatado el título el año anterior.
Al minuto y 44 segundos del primer asalto, el puño derecho de Ali conectó con la barbilla de Liston y éste cayó. Leifer sacó la foto del campeón alzándose sobre su rival vencido y burlándose de él: «¡Levántate y pelea, imbécil!». Las potentes luces del techo y las espesas nubes de humo de los puros habían convertido el ring en el estudio perfecto, y Leifer lo aprovechó al máximo.
Su imagen, perfectamente compuesta, capta a Ali irradiando la fuerza y el descaro poético que le convirtieron en el atleta más querido y vilipendiado de la nación, en un momento en el que el deporte, la política y la cultura popular se veían directamente afectados por el tumulto de los años 60.
Behind the Gare Saint-Lazare, Henri Cartier-Bresson, 1932
En esta, una de sus fotos más icónicas, Henri Cartier-Bresson captó una escena a través de una valla detrás de la estación de tren de Saint-Lazare en París.
Esta imagen se convirtió en el ejemplo perfecto de lo que Cartier-Bresson denominaba «El instante decisivo».
El fotógrafo francés es considerado a menudo el padre del fotoperiodismo moderno. Acuñó el término «El Instante Decisivo» para referirse a un momento en el que el fotógrafo capta un segundo fugaz, inmortalizándolo en el tiempo.
Country Doctor, W. Eugene Smith, 1948
El objetivo de Smith era ver el mundo desde la perspectiva de sus sujetos y que los espectadores que vieran su obra hicieran lo mismo. Esta imagen pertenece a su ensayo fotográfico «Country Doctor», realizado después de que Smith pasara 23 días con el sujeto.
Siguiendo al médico y conociéndolo realmente, Smith fue capaz de capturar la esencia de su sujeto a través de un solo fotograma. Esta imagen y el ensayo que la acompaña se convirtieron en un modelo que muchos han emulado desde entonces.
Pero la imagen formaba parte del gran ensayo fotográfico que estableció un nuevo estándar para este género de fotografía, el fotoperiodismo.
Guerrillero Heroico, Alberto Korda, 1960
Poco se imaginaba el fotógrafo Alberto Korda cuando tomó dos fotogramas del joven socio de Fidel Castro, como una idea tardía, que se convertiría en una imagen tan icónica.
A su muerte, 7 años después, su retrato del Che Guevara se convertiría en la imagen icónica de la rebelión y la revolución para la gente de todo el mundo. Incluso hoy en día, sigue siendo una imagen muy presente en la cultura cubana y en todo el mundo. Por muy controvertido que fuera el Che, tanto si se le considera un héroe como un villano, el retrato resiste el paso del tiempo.
The Hindenburg Disaster, Sam Shere, 1937
La llegada de los zepelines, considerados como majestuosas máquinas aéreas que significaban riqueza y poder, era una gran noticia. El 6 de mayo de 1937, Sam Shere esperaba en la Estación Aérea Naval de Lakehurst, Nueva Jersey, la llegada del LZ 129 Hindenburg desde Frankfurt. Pero, mientras despegaba, el hidrógeno inflamable se incendió y la nave estalló espectacularmente en llamas y mató a 36 personas. Shere consiguió captar una de las fotografías más famosas de la tragedia, una imagen que tres décadas después se utilizó en la portada del álbum de Led Zeppelin. Tan icónica como la propia foto es la voz angustiada del locutor de radio de Chicago Herbert Morrison: «Está estallando en llamas… ¡Esto es terrible! Es una de las peores catástrofes del mundo… ¡Oh, la humanidad!».
Mushroom Cloud Over Nagasaki, Lieutenant Charles Levy, 1945
El 8 de agosto de 1945, el mundo cruzó un punto de no retorno. La bomba atómica Fat Man cayó sobre Nagasaki y cambió para siempre la dinámica política mundial. Esta fotografía tomada por el teniente Charles Levy capta la destrucción cataclísmica de Nagasaki y la muerte instantánea de 70.000 japoneses. La política nuclear ha sido y seguirá siendo una gran amenaza para el futuro de la Tierra. A Robert Oppenheimer, destacado físico nuclear que desarrolló el programa nuclear estadounidense durante la Segunda Guerra Mundial, no le gustaron los resultados finales de su trabajo diciendo: «Ahora me he convertido en la Muerte, el destructor de mundos».
The Steerage, Alfred Stieglitz, 1907
Stieglitz, uno de los fotógrafos más famosos de principios del siglo XX, luchó para que la fotografía se tomara tan en serio como la pintura, como una forma de arte válida. Su trabajo pionero contribuyó a cambiar la forma en que muchos veían la fotografía. En sus galerías de Nueva York se encontraban muchos de los mejores fotógrafos de la época.
Su imagen icónica «The Steerage» no sólo resume lo que él llamaba fotografía directa, ofreciendo una visión veraz del mundo. También nos ofrece un punto de vista más complejo y de múltiples capas que transmite la abstracción a través de las formas de la imagen. Y cómo esas formas se relacionan entre sí.
Albino Boy, Biafra, Don Mccullin, 1969
Pocos se acuerdan de Biafra, la pequeña nación de África occidental que se separó del sur de Nigeria en 1967 y fue retomada menos de tres años después.
Gran parte del mundo se enteró de la enormidad de esa breve lucha a través de las imágenes de la hambruna masiva y las enfermedades que se cobraron la vida de posiblemente millones de personas.
Ninguna resultó tan impactante como la imagen de un niño albino de 9 años tomada por el fotógrafo de guerra británico Don McCullin. «Ser un huérfano biafrano hambriento era estar en una situación de lo más lamentable, pero ser un biafrano albino hambriento era estar en una situación indescriptible», escribió McCullin. «Muerto de hambre, seguía siendo entre sus compañeros objeto de ostracismo, burla e insulto».
Esta foto influyó profundamente en la opinión pública, presionó a los gobiernos para que tomaran medidas y dio lugar a envíos masivos de alimentos, medicinas y armas por vía aérea. McCullin esperaba que esas imágenes tan crudas fueran capaces de «romper los corazones y los espíritus de la gente segura».
Aunque la atención pública acabó por cambiar, el trabajo de McCullin dejó un legado duradero: él y otros testigos del conflicto inspiraron el lanzamiento de Médicos Sin Fronteras, que presta ayuda médica de emergencia a quienes sufren guerras, epidemias y catástrofes.
Saigon Execution, Eddie Adams, 1968
El fotoperiodista Eddie Adams, ganador del Premio Pulitzer, estaba en las calles de Saigón el 1 de febrero de 1968 fotografiando la devastación de la guerra.
Creyendo que estaba presenciando una ejecución rutinaria de un prisionero. Miró a través del visor de su cámara, para capturar la escena. Pero lo que captó fue el asesinato casual del prisionero.
Esta icónica foto se convirtió en una de las imágenes más impactantes de la guerra de Vietnam. Ayudó a alimentar el movimiento contra la guerra y a poner fin a la participación de EE.UU. en la guerra, ya que dio vida a la magnitud de la violencia que se estaba produciendo en una imagen horrible.
Grief, Dmitri Baltermants, 1942
Dmitri Baltermants, nacido en Polonia, quería ser profesor de matemáticas, pero se enamoró de la fotografía.
Justo cuando estalló la Segunda Guerra Mundial, recibió una llamada de sus jefes del periódico gubernamental soviético Izvestia: «Nuestras tropas cruzarán la frontera mañana. Prepárate para fotografiar la anexión de Ucrania occidental».
En aquella época, la Unión Soviética consideraba a la Alemania nazi su aliada. Pero después de que Adolf Hitler se volviera contra sus compañeros e invadiera la Unión Soviética, la misión de Baltermants también cambió. Al cubrir lo que entonces se conoció como la Gran Guerra Patria, capturó imágenes sombrías de carreteras llenas de cadáveres junto con las de tropas disfrutando de momentos de tranquilidad.
En enero de 1942 se encontraba en la recién liberada ciudad de Kerch, Crimea, donde dos meses antes los escuadrones de la muerte nazis habían acorralado a los 7.000 judíos de la ciudad. «Expulsaron a familias enteras: mujeres, ancianos y niños», recordaba Baltermants años después. «Los llevaron a todos a una zanja antitanque y los fusilaron». Allí, Baltermants se encontró con un campo desolado y plagado de cadáveres, con los miembros extendidos de ancianos y jóvenes por igual congelados en el último momento de la súplica.
Algunos de los habitantes reunidos se lamentaban con los brazos abiertos. Otros se encorvaron en paroxismos de dolor. Baltermants, que fue testigo de más de una muerte, grabó lo que vio. Sin embargo, estas imágenes de los asesinatos masivos de los nazis en suelo soviético eran demasiado gráficas para los dirigentes de su país, que se resistían a mostrar el sufrimiento de su pueblo. Al igual que muchas de las fotos de Baltermants, ésta fue censurada y no se mostró hasta décadas más tarde, cuando el liberalismo se filtró en la sociedad rusa en la década de 1960.
Cuando finalmente salió a la luz, la foto de Baltermants permitió a generaciones de rusos formar una memoria colectiva de su gran guerra. «Uno hace su trabajo lo mejor que puede», observó sombríamente, «y algún día saldrá a la luz».
Valley of the Shadow of Death, Roger Fenton, 1855
Aunque se recuerda poco de la Guerra de Crimea -ese conflicto de casi tres años que enfrentó a Inglaterra, Francia, Turquía y Cerdeña-Piamonte con Rusia- la cobertura de la misma cambió radicalmente la forma de ver la guerra.
Hasta entonces, el público en general conocía las batallas a través de pinturas e ilustraciones heroicas. Pero después de que el fotógrafo británico Roger Fenton desembarcara en 1855 en esa lejana península del Mar Negro, envió vistas reveladoras del conflicto que establecieron firmemente la tradición de la fotografía de guerra.
Aquellas 360 fotos de la vida en los campamentos y de los hombres que manejaban las baterías de mortero pueden carecer de la brutalidad visceral a la que nos hemos acostumbrado desde entonces, pero el trabajo de Fenton demostró que este nuevo medio artístico podía rivalizar con las bellas artes.
Esto queda especialmente claro en El valle de la sombra de la muerte, que muestra un barranco sembrado de balas de cañón no muy lejos del lugar inmortalizado en «La carga de la brigada ligera» de Alfred, Lord Tennyson. Esa inquietante imagen, que para muchos evoca el poema «Cannon to right of them, Cannon to left of them, Cannon in front of them» mientras las tropas corren «hacia el valle de la muerte», también reveló al público en general la realidad de la desolación sin vida que deja la estela de una matanza sin sentido.
Los estudiosos creyeron durante mucho tiempo que ésta era la única imagen de Fenton del valle. Pero en 1981 apareció una segunda versión con menos proyectiles dispersos, lo que alimentó un intenso debate sobre cuál fue la primera. El hecho de que la imagen descubierta más recientemente se considere la primera indica que Fenton puede haber sido uno de los primeros en realizar una fotografía de noticias.
Gandhi And The Spinning Wheel, Margaret Bourke-White, 1946
En 1946, a Margaret Bourke-White, la primera fotógrafa de la revista LIFE, se le ofreció la rara oportunidad de fotografiar a Mahatma Gandhi. Esta oportunidad de ensueño se convirtió rápidamente en una pesadilla. Tuvo que superar muchos retos antes de poder acceder al líder ideológico de la India. Incluido el de hilar la famosa ropa de casa de Gandhi.
Tras dos rodajes fallidos, por dificultades técnicas, a la tercera fue la vencida para Bourke-White.
Esta imagen icónica de Gandhi en su rueca fue capturada menos de dos años antes de su asesinato.
Betty Grable, Frank Powolny, 1943
Helena de Troya, la mítica semidiosa griega que desencadenó la Guerra de Troya y «lanzó mil barcos», no tenía nada que envidiar a Betty Grable, de San Luis (St. Louis).
Porque esa estrella de Hollywood, rubia platino y de ojos azules, tenía unas piernas que inspiraron a los soldados, marineros, aviadores e infantes de marina estadounidenses a salir a salvar la civilización de las potencias del Eje.
Y a diferencia de Helen, Betty representaba a la «chica de casa» de carne y hueso, manteniendo pacientemente el fuego. Frank Powolny llevó a Betty a las tropas por accidente. Fotógrafo de la 20th Century Fox, estaba haciendo fotos publicitarias de la actriz para la película Sweet Rosie O’Grady de 1943 cuando ella aceptó una «foto de espaldas».
El estudio convirtió la tímida pose en uno de los primeros pinups, y pronto las tropas solicitaron 50.000 copias al mes. Los hombres llevaban a Betty a todas partes, pegando su póster en las paredes de las barracas, pintándola en los fuselajes de los bombarderos y fijando copias de 2 por 3 de ella junto a sus corazones.
Antes de Marilyn Monroe, la sonrisa y las piernas de Betty -que se dice que están aseguradas por un millón de dólares en Lloyd’s de Londres- animaron a innumerables jóvenes nostálgicos a luchar por sus vidas (incluido un joven Hugh Hefner, que la citó como inspiración para Playboy). «Tengo que ser la chica de un soldado raso», dijo Grable, que firmó cientos de sus pinups cada mes durante la guerra. «Al igual que esta tiene que ser la guerra de un soldado raso».
Milk Drop Coronet, Harold Edgerton, 1957
El profesor de ingeniería eléctrica Edgerton comenzó una serie de experimentos en su laboratorio del MIT, inventando una cámara que fotografiara un momento fugaz en la oscuridad.
Combinando una iluminación estroboscópica de alta tecnología y un obturador de cámara que permitiera al fotógrafo capturar un momento invisible a simple vista. Junto a su cámara, colocó un cuentagotas de leche junto a un temporizador.
Su fotografía en stop-motion fue capaz de congelar el impacto de una gota de leche sobre una mesa y cimentó la importancia de la fotografía en el mundo del avance de la comprensión humana de nuestro mundo físico.
American Gothic, Gordon Parks, 1942
Como decimoquinto hijo de aparceros negros de Kansas, Gordon Parks conoció la pobreza. Pero no experimentó un racismo virulento hasta que llegó a Washington en 1942 para una beca en la Farm Security Administration (FSA).
Parks, que llegaría a ser el primer fotógrafo afroamericano de LIFE, se quedó atónito. «Los restaurantes blancos me hacían entrar por la puerta de atrás. Los teatros blancos ni siquiera me dejaban entrar por la puerta», recuerda. Negándose a dejarse amedrentar, Parks buscó a afroamericanos mayores para documentar cómo se enfrentaban a esas indignidades cotidianas y dio con Ella Watson, que trabajaba en el edificio de la FSA.
Ella le habló de su vida de lucha, de un padre asesinado por una turba de linchamiento, de un marido muerto a tiros. Fotografió a Watson en su día a día, culminando con su American Gothic, una clara parodia del icónico óleo de Grant Wood de 1930. Sirvió como denuncia del trato que recibían los afroamericanos al acentuar la desigualdad en «la tierra de la libertad» y llegó a simbolizar la vida en la América anterior a los derechos civiles. «Lo que la cámara tenía que hacer era exponer los males del racismo», observó Parks más tarde, «mostrando a la gente que más sufría bajo él».
Sharbat Gula (afghan girl), Steve McCurry, 1984
Esta fotografía apareció inicialmente en la portada de National Geographic en 1985. Steve McCurry atravesó un campo de refugiados en Pakistán entre un mar de tiendas y se acercó a Sharbat Gula. La imagen se convirtió en una sensación, sus ojos verdes como el mar embelesaban a cualquiera que la contemplara. McCurry se reencontró con la niña afgana en 2002 y compartió su historia desde la icónica fotografía. Sus fotografías más recientes cuentan la historia de Pakistán, 23 años de guerra, 3,5 millones de refugiados y 1,5 millones de muertos.
Blind Beggar, Paul Strand, 1916
La innovadora imagen de Paul Strand de una mujer ciega era un retrato sincero que se alejaba de los retratos posados más formales de la época.
Strand no sólo captó un momento en el que un país estaba cambiando rápidamente, debido a un aumento de la inmigración. Sino que también tomó la primera imagen que abrió el camino a un nuevo estilo: la fotografía callejera.
Winston Churchill, Yousuf Karsh, 1941
Tras el ataque a Pearl Harbor, Churchill llegó a Ottawa para agradecer a los aliados su ayuda.
Sin saber que se había encargado a un fotógrafo que le retratara, se negó a quitarse el puro. Una vez que el fotógrafo se instaló, se dirigió hacia Churchill, le quitó el puro de la boca y le tomó su famosa fotografía con el ceño fruncido.
Sobre el incidente, Churchill dijo a Karsh: «Puedes hacer que hasta un león rugiente se quede quieto para ser fotografiado».
Esta imagen es uno de los retratos políticos más reproducidos. Dio permiso a los fotógrafos para hacer retratos más honestos, e incluso críticos, de los líderes políticos.
The Critic, Weegee, 1943
Hitler At A Nazi Party Rally, Heinrich Hoffmann, 1934
El espectáculo era como el oxígeno para los nazis, y Heinrich Hoffmann desempeñó un papel decisivo en la puesta en escena del creciente espectáculo de poder de Hitler. Hoffmann, que se unió al partido en 1920 y se convirtió en el fotógrafo personal y confidente de Hitler, se encargó de coreografiar los carnavales de propaganda del régimen y venderlos a un público alemán herido.
En ningún lugar lo hizo mejor Hoffmann que el 30 de septiembre de 1934, en su foto rígidamente simétrica del Festival de la Cosecha de Bückeberg, en la que el mefistofélico Führer se pavonea en el centro de una gran fantasía wagneriana de tropas adorando y aclamando.
Al capturar esta y otras muchas extravagancias, Hoffmann -que tomó más de dos millones de fotos de su jefe- alimentó la vasta maquinaria propagandística del régimen y difundió su sueño demoníaco. Estas imágenes eran omnipresentes en el Reich de Hitler, que utilizó astutamente las fotos de Hoffman, los gráficos descarnados de las banderas nazis y las películas de Leni Riefenstahl para hacer que el arianismo pareciera digno de un culto divino.
Humillada por la Primera Guerra Mundial, las castigas reparaciones y la Gran Depresión, una nación ansiosa por recuperar su sentido de sí misma se sintió atraída por el rostro de Hitler y sus hombres aparentemente invencibles que se esforzaban por corregir los errores. La propaganda de Hoffmann, realizada con gran maestría, es un testimonio del poder de la fotografía para conmover a las naciones y sumir al mundo en la guerra.
Firing Squad In Iran, Jahangir Razmi, 1979
Pocas imágenes son tan crudas como la de una ejecución. El 27 de agosto de 1979, once hombres que habían sido condenados por ser «contrarrevolucionarios» por el régimen del gobernante iraní, el ayatulá Ruhollah Jomeini, fueron alineados en un campo de tierra en el aeropuerto de Sanandaj y asesinados a tiros uno al lado del otro.
Ningún periodista internacional fue testigo de los asesinatos. Jomeini les había prohibido entrar en Irán, por lo que la prensa nacional tuvo que hacer la crónica del sangriento conflicto entre la teocracia y los kurdos locales, a los que se les había negado la representación en el gobierno de Jomeini.
El fotógrafo iraní Jahangir Razmi había sido avisado del juicio, y rodó dos rollos de película en las ejecuciones. Una de las imágenes, con los cuerpos desplomados en el suelo y otro hombre a punto de unirse a ellos, se publicó de forma anónima en la portada del diario iraní Ettela’at.
A las pocas horas, miembros del Consejo Revolucionario Islámico se presentaron en la oficina del periódico y exigieron el nombre del fotógrafo. El director se negó. Días después, la foto fue recogida por el servicio de noticias UPI y anunciada a bombo y platillo en periódicos de todo el mundo como prueba de la naturaleza asesina del gobierno religioso de Jomeini.
Al año siguiente, Firing Squad in Iran recibió el Premio Pulitzer, el único ganador anónimo de la historia. No fue hasta 2006 cuando se reveló que Razmi era el fotógrafo.
El primer vuelo de los hermanos Wright, 1903
Kent State Shootings, John Paul Filo, 1970
El tiroteo en la Universidad Estatal de Kent, en Ohio, duró 13 segundos. Cuando terminó, cuatro estudiantes habían muerto, nueve estaban heridos y la inocencia de una generación se había hecho añicos.
Los manifestantes formaban parte de una ola nacional de descontento estudiantil estimulada por la nueva presencia de tropas estadounidenses en Camboya. En el Kent State Commons, los manifestantes supusieron que las tropas de la Guardia Nacional que habían sido llamadas para contener a la multitud estaban disparando balas de fogueo.
Pero cuando el tiroteo cesó y los estudiantes yacían muertos, parecía que la guerra en el sudeste asiático había vuelto a casa. John Filo, estudiante y fotógrafo de noticias a tiempo parcial, destiló ese sentimiento en una sola imagen cuando captó a Mary Ann Vecchio llorando y arrodillada junto a un Jeffrey Miller herido de muerte.
La fotografía de Filo fue difundida por la AP y publicada en la portada del New York Times. Ganó el premio Pulitzer y desde entonces se ha convertido en el símbolo visual de la juventud perdida de una nación esperanzada.
Pillars Of Creation, Nasa, 1995
El Telescopio Espacial Hubble estuvo a punto de no funcionar. Llevado a bordo del transbordador espacial Atlantis en 1990, su presupuesto se excedió, llevaba años de retraso y, cuando por fin llegó a la órbita, era miope, con su espejo de 2,5 metros distorsionado a causa de un defecto de fabricación.
No sería hasta 1993 cuando una misión de reparación pondría en marcha el Hubble. Finalmente, el 1 de abril de 1995, el telescopio dio sus frutos, capturando una imagen del universo tan clara y profunda que ha llegado a conocerse como los Pilares de la Creación. Lo que el Hubble fotografió es la nebulosa del Águila, una zona de formación estelar situada a 6.500 años luz de la Tierra en la constelación de Serpens Cauda.
Las grandes chimeneas son vastas nubes de polvo interestelar, formadas por los vientos de alta energía que soplan desde las estrellas cercanas (la parte negra en la parte superior derecha es de la ampliación de una de las cuatro cámaras del Hubble).
Pero la ciencia de los pilares ha sido la parte menos importante de su significado. Tanto la rareza como la enormidad de la formación -los pilares miden 5 años luz, o 30 billones de millas, de largo- han sorprendido, emocionado y humillado a partes iguales. Una imagen logró lo que mil simposios de astronomía nunca pudieron.
Einstein’s Birthday, Arthur Sasse, 1951
En la época en que Arthur Sasse tomó esta fotografía, Albert Einstein disfrutaba de la gloria de ser el hombre más inteligente del mundo. Su logro más importante es su teoría de la relatividad, que acabó dando lugar a la mayor fuerza destructiva que el mundo haya visto jamás. Después de la guerra, Einstein enseñó en Princeton y adquirió muchas idiosincrasias extravagantes, probablemente relacionadas con la naturaleza aplastante de la existencia humana. En su 72º cumpleaños, en 1951, una fotografía tomada por Arthur Sasse congeló esta imagen en el tiempo, y el mundo se lo agradece. La impresión original y los negativos se vendieron en una subasta por la friolera de 72.300 dólares, y las reimpresiones sin licencia se extendieron como un incendio.
Primera fotografía aérea, James Wallace, 1860
Dovima con Elefantes, Paris, August, Richard Avedon, 1955
Cuando Richard Avedon fotografió a Dovima en un circo de París en 1955 para Harper’s Bazaar, ambos eran ya prominentes en sus campos. Ella era una de las modelos más famosas del mundo, y él era uno de los fotógrafos de moda más famosos.
Es lógico, pues, que Dovima With Elephants sea una de las fotografías de moda más famosas de todos los tiempos. Pero su influencia perdurable radica tanto en lo que capta como en las dos personas que la hicieron. Dovima fue una de las últimas grandes modelos del molde sofisticado, cuando la alta costura era un mundo relativamente enclaustrado y elitista.
A partir de los años 50, las modelos empezaron a gravitar hacia el aspecto de chica de al lado en lugar de la belleza inalcanzable de la vieja generación, lo que contribuyó a convertir la alta costura en entretenimiento. Dovima con elefantes destila ese cambio al yuxtaponer el espectáculo y la fuerza de los elefantes con la belleza de Dovima y la delicadeza de su vestido, que fue el primer vestido de Dior diseñado por Yves Saint Laurent.
El cuadro también aporta movimiento a un medio que hasta entonces se caracterizaba por la quietud. Durante mucho tiempo, las modelos eran maniquíes que debían permanecer inmóviles mientras la ropa acaparaba toda la atención. Avedon vio lo que no funcionaba en esa ecuación: la ropa no sólo hacía al hombre; el hombre también hacía la ropa.
Y al trasladar a los modelos fuera del estudio y colocarlos frente a fondos emocionantes, ayudó a difuminar la línea entre la fotografía de moda comercial y el arte. De este modo, Dovima With Elephants capta un punto de inflexión en nuestra cultura más amplia: el último modelo a la antigua usanza, que pone a la moda en su nuevo camino.
A Man On The Moon, Neil Armstrong, Nasa, 1969
View from the Window at Le Gras, Nicéphore Niépce, 1827
Curiosamente, la primera fotografía permanente de la historia no fue realizada por un artista, sino por el inventor Joseph Nicéphore Niépce. Su fascinación por la impresión le llevó a instalar una cámara oscura en su estudio de Francia en 1826.
La escena de la ventana estaba fundida en una placa de estaño y presentaba una burda copia de la escena que se desarrollaba ante su ventana. Fue una exposición de 8 horas y sólo existe una copia, una imagen positiva. Por ello, la imagen es algo confusa, ya que el sol se había movido por el patio durante la exposición, haciendo que aparecieran sombras a ambos lados.
Su innovador trabajo allanó el camino para el desarrollo de la fotografía moderna.
Famine in Somalia, James Nachtwey, 1992
Al no conseguir un encargo para documentar la hambruna de 1992 en Somalia, el fotoperiodista James Nachtwey decidió ir solo.
Con el apoyo de la Cruz Roja sobre el terreno, Nachtwey captó los horrores de la hambruna. Esta, su imagen más inquietante, capta a una mujer en una carretilla esperando a ser llevada a un centro de alimentación.
Tras la publicación de sus desgarradoras imágenes, la Cruz Roja recibió la mayor oleada de apoyo público desde la Segunda Guerra Mundial y pudo salvar a UN millón y medio de personas.
The Tank Man, Stuart Franklin, 1989
Tras las protestas reprimidas en la plaza de Tiananmen, un hombre anónimo obstruyó el paso de una serie de tanques en 1989. No se ha revelado públicamente ninguna información sobre el «hombre de los tanques» ni sobre quienes los conducían. Afortunadamente, un puñado de fotógrafos, entre ellos Jeff Widener, captaron el suceso desde diversos ángulos. La violencia durante y después de la protesta en la Plaza de Tiananmen no fue condenada por el llamado «mundo libre». China acabó por esconderla bajo la alfombra junto con muchas otras violaciones de los derechos humanos.
Michael Jordan, Co Rentmeester, 1984
Puede que sea la silueta más famosa jamás fotografiada. Al fotografiar a Michael Jordan para LIFE en 1984, Jacobus «Co» Rentmeester captó a la estrella del baloncesto elevándose en el aire para hacer un mate, con las piernas abiertas como las de una bailarina de ballet y el brazo izquierdo estirado hacia las estrellas. Una imagen hermosa, pero que probablemente no hubiera perdurado si Nike no hubiera ideado un logotipo para su joven estrella que se asemejaba mucho a la foto.
En busca de inspiración para el diseño de sus primeras zapatillas Air Jordan, Nike pagó a Rentmeester 150 dólares por el uso temporal de sus diapositivas.
Pronto, «Jumpman» se grabó en las zapatillas, la ropa y las paredes de las habitaciones de todo el mundo, convirtiéndose en uno de los iconos comerciales más populares de todos los tiempos. Con Jumpman, Nike creó el concepto de los atletas como valiosas propiedades comerciales en sí mismas.
La marca Air Jordan, que hoy cuenta con otros lanzadores superestrellas, ganó 3.200 millones de dólares en 2014. Rentmeester, por su parte, ha demandado a Nike por infracción de derechos de autor. Sea cual sea el resultado, está claro que su imagen capta el ascenso de la celebridad deportiva hasta convertirse en un negocio multimillonario, que sigue despegando.
El vuelo 175 de United Airlines se acerca a la torre sur del World Trade Center de Nueva York, Kelly Guenther, 2011
Alan Kurdi, Nilüfer Demir, 2015
La guerra en Siria llevaba más de cuatro años cuando los padres de Alan Kurdi subieron al niño de 3 años y a su hermano de 5 a una embarcación neumática y partieron de la costa turca hacia la isla griega de Kos, a solo tres millas de distancia. A los pocos minutos de partir, una ola hizo zozobrar la embarcación, y la madre y los dos hijos se ahogaron.
En la orilla, cerca de la ciudad costera de Bodrum, unas horas más tarde, Nilufer Demir, de la agencia de noticias Dogan, se encontró con Alan, con la cara vuelta hacia un lado y el trasero elevado, como si acabara de dormirse. «Ya no había nada que hacer por él. No quedaba nada para devolverle la vida», dijo. Entonces Demir levantó su cámara. «Pensé: «Esta es la única forma de expresar el grito de su cuerpo silencioso».
Boulevard du Temple, Louis Daguerre
El limpiabotas que trabajaba en el Boulevard du Temple de París un día de primavera de 1839 no sabía que iba a hacer historia. Pero la innovadora imagen de Louis Daguerre del hombre y un cliente es el primer caso conocido de seres humanos captados en una fotografía.
Antes de Daguerre, las personas sólo habían sido representadas en obras de arte. Eso cambió cuando Daguerre fijó su objetivo en una calle de París y luego expuso una lámina de cobre plateada durante varios minutos (aunque otras personas entraron en el encuadre, no permanecieron el tiempo suficiente para ser capturadas), reveló y fijó la imagen utilizando productos químicos. El resultado fue la primera fotografía de imagen especular.
The Pond: Moonlight, Edward Steichen, 1904
¿La imagen etérea de Edward Steichen es una fotografía o una pintura? Es ambas cosas, y ése era exactamente su objetivo. Steichen fotografió la escena boscosa en Mamaroneck, N.Y., coloreó a mano las impresiones en blanco y negro con tonos azules e incluso puede haber añadido la luna brillante.
La mezcla de dos medios era el objetivo del pictorialismo, que fue adoptado por los fotógrafos profesionales a principios del siglo XX como una forma de diferenciar su trabajo de las instantáneas de los aficionados tomadas con las nuevas cámaras portátiles. Y ninguna imagen fue más formativa que Moonlight.
Earthrise, William Anders, 1968
Williams Anders lo ha conseguido todo: es un general de división retirado de las Fuerzas Aéreas, ex ingeniero eléctrico, ingeniero nuclear, empresario y, posiblemente, uno de los astronautas más famosos de la NASA.
También es el hombre que capturó una de las fotografías más famosas de todos los tiempos en 1968. Aunque los partidarios de la Tierra Plana afirman que esta fotografía es falsa, es realmente una pieza impresionante de composición visual. El fotógrafo de naturaleza Galen Rowell llamó a Earthrise «la fotografía medioambiental más influyente jamás tomada».
Gorilla In The Congo, Brent Stirton, 2007
Senkwekwe, el gorila de montaña de espalda plateada, pesaba al menos 500 libras cuando su cadáver fue atado a una camilla improvisada, y se necesitaron más de una docena de hombres para izarlo en el aire. Brent Stirton captó la escena mientras estaba en el Parque Nacional de Virunga, en la República Democrática del Congo. Senkwekwe y otros gorilas murieron a tiros en un violento conflicto que asoló el parque, donde vive la mitad de los gorilas de montaña en peligro de extinción del mundo.
Cuando Stirton fotografió a los residentes y a los guardas del parque sacando respetuosamente a Senkwekwe del bosque en 2007, el parque estaba asediado por personas que recogían ilegalmente madera para utilizarla en una industria del carbón vegetal que creció tras el genocidio ruandés.
En la foto, Senkwekwe tiene un aspecto enorme pero vagamente humano, un recordatorio de que el conflicto en África Central afecta a algo más que a los seres humanos atrapados en su fuego cruzado; también afecta al medio ambiente y a los habitantes animales de la región. Tres meses después de la publicación de la fotografía de Stirton en Newsweek, nueve países africanos -incluido el Congo- firmaron un tratado jurídicamente vinculante para ayudar a proteger a los gorilas de montaña de Virunga.
El monstruo del Lago Ness, Ian Wetherell, 1934
Si la jirafa no existiera, tendríamos que inventarla. Es nuestra naturaleza aburrirnos de lo improbable pero real y buscar lo imposible. Así ocurre con la foto de lo que se decía que era el monstruo del Lago Ness, supuestamente tomada por el médico británico Robert Wilson en abril de 1934.
Sin embargo, Wilson había sido contratado para encubrir un fraude anterior del cazador de animales salvajes Marmaduke Wetherell, que había sido enviado a Escocia por el Daily Mail de Londres para atrapar al monstruo. Como no había ningún monstruo que cazar, Wetherell trajo a casa fotos de huellas de hipopótamo que, según él, pertenecían a Nessie. El Mail se dio cuenta y desacreditó a Wetherell, que volvió al lago con un monstruo hecho con un submarino de juguete. Él y su hijo utilizaron a Wilson, un respetado médico, para dar credibilidad al bulo. El Mail perdura; la reputación de Wilson, no.
La imagen del Lago Ness es una especie de piedra de toque para los teóricos de la conspiración y los buscadores de fábulas, al igual que la imagen absolutamente auténtica de la famosa cara de Marte tomada por la sonda Viking en 1976. La emoción de ese hallazgo sólo duró hasta 1998, cuando la sonda Mars Global Surveyor demostró que la cara era, como dijo la NASA, una formación topográfica, que para entonces había sido casi arrastrada por el viento. Éramos inocentes en aquellos dulces días anteriores al photoshop. Ahora sabemos más y no nos fiamos de nada. El arte de la falsificación ha avanzado, pero su encanto, como el del rostro marciano, ha desaparecido.
The Horse in Motion, Eadweard Muybridge, 1878
Emprendiendo una tarea para descubrir si un caballo levanta el vuelo cuando galopa. El fotógrafo Eadweard Muybridge recibió el encargo del gobernador de California, Leland Stanford, de probar su teoría.
Muybridge desarrolló una técnica para capturar al caballo mediante una exposición que duraba sólo una fracción de segundo. Tenía 12 cámaras alineadas que se disparaban para fotografiar en rápida sucesión al caballo al galope.
La serie de imágenes que capturó Muybridge no sólo demostró que un caballo sí levanta el vuelo. También abrieron el camino a una nueva forma de utilizar la fotografía con otras tecnologías para captar la verdad.
Este método abrió el camino al desarrollo de la animación y el cine.
The Dead Of Antietam, Alexander Gardner, 1862
Fue en Antietam, la sangrienta batalla de Sharpsburg, Maryland, donde murieron más estadounidenses en un solo día que nunca antes, donde un soldado de la Unión recordó cómo «las pilas de muertos… eran espantosas».
El fotógrafo de origen escocés Alexander Gardner llegó allí dos días después de la matanza del 17 de septiembre de 1862. Preparó su cámara estereoscópica de placa húmeda y comenzó a tomar docenas de imágenes del campo sembrado de cadáveres, documentando a los soldados caídos, los equipos de entierro y las tumbas de las trincheras. Gardner trabajó para Mathew Brady, y cuando regresó a la ciudad de Nueva York su empleador organizó una exposición del trabajo. Los visitantes fueron recibidos con un simple cartel que decía «Los muertos de Antietam».
Pero lo que vieron fue todo menos sencillo. La sociedad de la alta sociedad se encontró con lo que se cree que son las primeras imágenes grabadas de víctimas de la guerra. Las fotografías de Gardner son tan nítidas que se podían distinguir los rostros. La muerte no fue filtrada, y una guerra que parecía remota se convirtió de repente en algo desgarradoramente inmediato. Gardner contribuyó a que los estadounidenses se dieran cuenta de la importancia del fratricidio que en 1865 se cobraría más de 600.000 vidas.
Porque en los campos sagrados no cayeron extraños sin rostro, sino hijos, hermanos, padres, primos y amigos. Y las imágenes de Gardner sobre Antietam crearon un legado duradero al establecer un precedente visual dolorosamente potente para la forma en que se han cubierto todas las guerras desde entonces.
The Situation Room, Pete Souza, 2011
La fotografía titulada Situation Room fue tomada por el fotógrafo de la Casa Blanca Pete Souza el 1 de mayo de 2011. Muestra al ex presidente de los Estados Unidos Barack Obama junto a su equipo de seguridad nacional recibiendo actualizaciones en directo de la Operación Neptune Spear, que condujo al asesinato de Osama bin Laden.
El presidente Obama declaró posteriormente que creía que la foto se había tomado más o menos en el momento en que los ocupantes de la sala fueron informados o se dieron cuenta de que uno de los helicópteros de la redada se había estrellado. El fotógrafo recordó que había hecho unas 100 fotografías, atascado en un rincón de la pequeña sala de conferencias sin espacio para moverse.
Trolley To New Orleans, Robert Frank, 1955
Las verdades incómodas suelen tener consecuencias para quien las cuenta. Cuando salió a la venta el libro de Robert Frank The Americans, la revista Practical Photography calificó la obra del fotógrafo suizo como una colección de «desenfoques sin sentido, granos, exposiciones turbias, horizontes borrachos y chapuzas en general». Las 83 imágenes del libro fueron tomadas mientras Frank recorría Estados Unidos en varios viajes por carretera a mediados de la década de 1950, y captaban un país en la cúspide del cambio: rígidamente segregado pero con el movimiento de los derechos civiles en ebullición, arraigado en la tradición familiar y rural pero avanzando hacia el anonimato de la vida urbana.
En ningún lugar esta tensión es mayor que en Trolley-Nueva Orleans, un momento fugaz que transmite el brutal orden social de la América de posguerra. La imagen, rodada unas semanas antes de que Rosa Parks se negara a ceder su asiento en un autobús en Montgomery, Alabama, no estaba planificada. Frank estaba filmando un desfile callejero cuando vio pasar el tranvía. Girando sobre sí mismo, Frank levantó su cámara y disparó justo antes de que el tranvía desapareciera de la vista.
La imagen se utilizó en la portada de las primeras ediciones de The Americans, lo que alimentó las críticas de que la obra era antiamericana. Por supuesto, Frank -que adquirió la nacionalidad estadounidense en 1963, cinco años después de la publicación de The Americans- simplemente vio a su país de adopción tal y como era, no como se imaginaba que era. Medio siglo después, esa franqueza ha convertido a The Americans en un monumento de la fotografía documental y callejera. El estilo suelto y subjetivo de Frank liberó el formato de las convenciones del fotoperiodismo establecidas por la revista Life, que él rechazaba como «malditas historias con un principio y un final».
99 Cent II Diptychon, Andreas Gursky, 1999
Puede parecer irónico que una fotografía de productos baratos establezca el récord de la fotografía contemporánea más cara jamás vendida, pero 99 Cent de Andreas Gursky es mucho más que un inventario visual.
En una única imagen a gran escala cosida digitalmente a partir de múltiples imágenes tomadas en una tienda 99 Cents Only de Los Ángeles, las hileras aparentemente interminables de artículos, con las cabezas de los compradores flotando anónimamente sobre la mercancía, se asemejan más a la pintura abstracta o impresionista que a la fotografía contemporánea.
Y eso es precisamente lo que pretende Gursky. Desde la bolsa de Tokio hasta un vertedero de Ciudad de México, el arquitecto y fotógrafo alemán utiliza la manipulación digital y un marcado sentido de la composición para convertir experiencias cotidianas en arte.
Como escribió el comisario Peter Galassi en el catálogo de una retrospectiva de la obra de Gursky realizada en 2001 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, «el arte elevado frente al comercio, el rigor conceptual frente a la observación espontánea, la fotografía frente a la pintura… para Gursky todos son dados, no son oponentes sino compañeros».
Esa capacidad de representar lo artificial y lo mundano con ojos nuevos ha ayudado a la fotografía moderna a entrar en la élite del mundo del arte. En 2006, en los embriagadores días previos a la Gran Recesión, 99 Cent se vendió por 2,3 millones de dólares en una subasta.
El récord para una fotografía contemporánea ha sido superado desde entonces, pero la venta hizo más que ninguna otra para catapultar la fotografía moderna a las páginas de los catálogos de subastas junto a los óleos y las esculturas de mármol de los antiguos maestros.
The Tetons and the Snake River, Ansel Adams, 1942
The Pillow Fight, Harry Benson, 1964
Harry Benson no quería conocer a los Beatles. El fotógrafo nacido en Glasgow tenía previsto cubrir una noticia en África cuando le asignaron fotografiar a los músicos en París. «Me consideraba un periodista serio y no quería cubrir una historia de rock and roll», se burló.
Pero una vez que conoció a los chicos de Liverpool y los escuchó tocar, Benson no tuvo ningún deseo de irse. «Pensé: ‘Dios, estoy en la historia correcta’. » Los Beatles estaban en la cúspide de la grandeza, y Benson estaba en medio de ella.
Su foto de la pelea de almohadas, tomada en el lujoso Hotel George V la noche en que la banda se enteró de que «I Want to Hold Your Hand» había alcanzado el número 1 en EE.UU., congela a John, Paul, George y Ringo en una exuberante cascada de talento infantil, y quizás su último momento de inocencia desenfrenada.
Capta la pura alegría, la felicidad y el optimismo que se adoptó como Beatlemanía y que ayudó a levantar la moral de Estados Unidos sólo 11 semanas después del asesinato de John F. Kennedy. Al mes siguiente, Benson acompañó a los Fab Four en su viaje a Nueva York para aparecer en el programa de Ed Sullivan, dando inicio a la Invasión Británica. El viaje dio lugar a décadas de colaboración con el grupo y, como Benson recordó más tarde, «estuve muy cerca de no estar allí».
Flag Raising On Iwo Jima, Joe Rosenthal, 1945
La icónica fotografía Izar la bandera en Iwo Jima fue tomada por Joe Rosenthal el 23 de febrero de 1945. Muestra a los marines estadounidenses izando una bandera en la cima del monte Suribachi durante la batalla de Iwo Jima en la Segunda Guerra Mundial. Rosenthal recordó más tarde: «El cielo estaba nublado. El viento azotaba la bandera por encima de las cabezas del grupo, y sus pies el terreno revuelto y los tallos rotos de los arbustos ejemplificaban la turbulencia de la guerra». Los tres marines representados murieron en acción en los días siguientes. Esta famosa foto fue reimpresa en numerosas publicaciones y recibió el Premio Pulitzer de Fotografía el mismo año en que se publicó por primera vez.
FAQS
«Dudas y preguntas que pueden surgir alrededor del artículo de fotos historicas famosas«
¿Cuál es la mejor foto de la historia?
Por mucho que me gustaría elegir una, es imposible. La elección de una fotografía siempre es algo muy subjetivo, y de todas ellas podemos aprender sin duda alguna.
Si te preguntas esto, lo mejor es que le heches un vistazo a nuestra selección de grandes fotografías de la historia y conozcas el transfondo que esconde cada una de estas.
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¿Cuál es la fotografía más vista de la historia?
Aunque no hay manera de saber la respuesta con un 100% de certeza, es una apuesta bastante buena que la fotografía más vista de todos los tiempos es una foto llamada «Bliss» tomada por Charles O’Rear en 1996.
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¿Por qué son tan importantes las fotografías?
Las fotografías desempeñan un papel importante en la vida de todos: nos conectan con nuestro pasado, nos recuerdan personas, lugares, sentimientos e historias. Pueden ayudarnos a saber quiénes somos. Las fotografías son un vínculo tangible con el pasado.
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¿Por qué las fotografías son tan poderosas?
La fotografía tiene el poder de conmovernos. Las fotografías pueden captar nuestra atención y hablar directamente de nuestras emociones. La fotografía, en su mejor momento, es un poderoso lenguaje que habla a nuestras emociones. Nos permite contar nuestra historia y mostrar a los demás nuestro encuadre del mundo que nos rodea.
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Fuentes & Recursos utilizados para crear este artículo
- https://es.wikipedia.org/wiki/The_Falling_Man
- http://philippehalsman.com/
- http://100photos.time.com/photos/robert-capa-falling-soldier
- http://100photos.time.com/photos/nick-ut-terror-war
- https://www.pulitzer.org/article/and-then-fire-escape-let-go
- https://www.pulitzer.org/winners/kevin-carter-free-lance-photographer
- https://en.wikipedia.org/wiki/Kevin_Carter
- https://www.magnumphotos.com/newsroom/society/w-eugene-smith-country-doctor/
¿Qué podemos aprender de las fotos más famosas de la historia?
Quiero recordar que éstas son sólo algunas de las muchas imágenes realmente importantes que se han creado a lo largo de los años. Hay muchas más fotos y fotógrafos significativos, así que te animo a seguir leyendo e investigando.
Porque… ¿qué es lo que hace que una imagen se fije en la memoria colectiva y se convierta en un verdadero icono? Hacen que la historia sea real. Despiertan en nosotros emociones que no disminuyen con el paso de los años o las repetidas visualizaciones. Y nos inspiran a cambiar, para que podamos crear más momentos históricos positivos en el futuro.
Son cualidades como éstas las que han hecho de estas 65 imágenes algunas de las más famosas del mundo.
Esperamos que hayas disfrutado de nuestra selección de las fotografías más famosas de todos los tiempos.
¿Quizás recuerdes dónde estabas cuando ocurrieron algunos de estos momentos?
